Month: March 2015

On identifying as an artist

About dreams and what they're made of. A personal #embroidery project in progress. Right now I'm loving to use this metallic floss in a very intuitive, step by step, way. It feels a lot like painting, in the sense that there is no project, and there are n

For the past few weeks, I’ve been reflecting a lot on my work, and how I’m making a deliberate turn into a more artistic path. This turn is scary: how am I going to call myself an artist? How do I dare even think I can make a living out of an artistic pursuit? How can I apply such a big “label” (being an “artist”) to my humble practice?

(This may seem trivial, but my heart is racing while I type this. Please be patient with me.)

Coincidentally, this week I listened to two recordings with Lisa Congdon, a well known artist, author and blogger from the Bay Area, currently relocating to Portland. The first one, her keynote speech at Alt Summit; the second one, a conversation with Srini Rao from the Unmistakable Creative podcast.

In both recordings, Lisa addresses this difficulty of identifying as an artist, and how she felt an impostor because she hadn’t attended art school and was mostly self-taught.

This made me think a lot about whether attending art school was, for me, the necessary validation to identify as an artist. And I must say: NO. Attending art school was not a factor that made me feel confident about that, quite the opposite.

Now, I don’t know how artistic education is in other countries, or even in other universities, so I can only speak of my experience at the Fine Arts Faculty of the University of Lisbon. And my experience was not great. Let me be clear about this: I believe the curriculum was comprehensive and interesting; but in the end it is always about the people, isn’t it?

I had a few excellent professors, and excellent probably does not begin to describe them. They were so keen on having the students learn and explore, they gave their everything to see that happen. Then I had several professors who were good, but not great.

And I had a some very bad professors, who were envious of students’ talents, who saw us as competition, who made sure to show their power in a demeaning way. These were the minority, but unfortunately they were assigned a large part of the curriculum of the last portion of our five year education.

So, no, art school gave me a lot of tools and some very good friends, but it didn’t help me identify as an artist, quite the opposite. These few professors made me feel like I would never ever be good enough, whatever path I would choose. At that point I was already working at a design and illustration studio where my work was appreciated, so I put these men’s words behind my back and carried on working and exploring.

A few years later, in 2007, I moved to Buenos Aires, Argentina. After the initial turmoil, I started taking a painting class, with live model, a supporting group of students of different backgrounds and a wonderful teacher. In his classes, the experience of art was very connected to the enjoyment of making it, and he just assumed that all of us, independent of skill level, were artists. This experience turned out to be pivotal in my enjoyment of making art. I still didn’t consider myself an artist, but I felt wonderful and freer than ever when playing with color and paint. It was fantastic.

Fast forward to a few weeks ago, when I had lunch with a friend and we had a conversation that sparked something in me. In short, it made me embrace embroidery as my new creative medium. Her words made me feel a wave of creative energy and I rushed back to the studio, to start right away. I immediately felt “in the zone”, and felt that flow of stitches forming shapes and things happening both in my mind and on my embroidered fabric. I dared to try something new, and dared to stretch out of my comfort zone. And as much as I still struggle to identify as an artist, I am coming to terms with exploring this new, more “artistic”, expressive, personal path, with my beloved medium of embroidery.

As a kind of conclusion, but not exactly: Lisa ends up mentioning, in her Alt Summit speech, how she had a lightbulb moment when watching a documentary about a famous artist, who, at the apex of his career, still struggled with insecurity about his work. She realized, then, that there may never be a moment when she feels she has “arrived”. I’m glad to know this, because it frees me from pursuing an end, instead focusing on the process of creating and exploring.

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It's growing, a few stitches a day. #airembroideryclub

Nos últimos tempos, tenho vindo a reflectir bastante sobre o meu trabalho e a fazer uma incursão deliberada num caminho mais artístico. Esta mudança de rumo é assustadora: como é que vou ousar assumir-me como “artista”? E como me atrevo sequer a pensar em eventualmente conseguir ganhar dinheiro e viver de projectos artísticos? Como é que sequer ouso pensar na minha prática como “artística”?

(Estas questões podem parecer triviais, mas o meu coração acelerou enquanto escrevia isto. Por favor sejam pacientes comigo.)

Coincidência (ou não), esta semana ouvi duas gravações com a artista Lisa Congdon, pintora, ilustradora, autora e blogger que vive na costa Oeste dos Estados Unidos. A primeira gravação é o seu discurso de abertura da Alt Summit, no Inverno que passou; a segunda é uma conversa com Srini Rao, do podcast Unmistakable Creative.

Em ambas as gravações, Lisa Congdon fala desta dificuldade de se identificar como artista, e como sentiu o complexo do impostor por não ter frequentado uma escola de artes e ser auto-didacta.

Isto fez-me pensar se, no meu caso, frequentar a Faculdade de Belas Artes teria contribuído de alguma forma para me ajudar a identificar como artista. E não, de todo, pelo contrário.

Como não sei como é o ensino artístico noutros países, aliás, nem sequer noutras universidades portuguesas, só posso falar da minha experiência na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. E a minha experiência não foi magnífica. Vamos ser claros: penso que o currículo era (já mudou) amplo e interessante; mas no final, o que é realmente importante são as pessoas, não é?

Tive alguns professores excelentes, sendo que “excelente” nem sequer lhes faz justiça. Eram tão empenhados e queriam tanto que os alunos aprendessem e explorassem, davam o tudo por tudo para que isso acontecesse. Depois tive alguns professores que foram bons, mas não óptimos.

E finalmente tive alguns péssimos professores, pessoas invejosas do talento e da juventude dos alunos, que viam os estudantes como concorrência e manifestavam o seu poder esmagando aqueles de quem não gostavam. Estes professores foram a minoria, mas infelizmente acabaram por ter um peso bastante grande na última parte do nosso curso de cinco anos.

E por isso, não, frequentar a Faculdade de Belas Artes não me ajudou a sentir mais segura das minhas capacidades artísticas e a identificar-me como parte do mundo da arte, muito pelo contrário. Estes poucos professores procuraram sempre esmagar qualquer impulso criativo que não fosse alinhado com as suas ideias, e sempre se esmeraram por fazer sentir os alunos como incapazes e insuficientes. Felizmente nesta altura já estava a trabalhar num atelier onde me sentia muito realizada e o meu trabalho era apreciado, pelo que consegui pôr para trás das costas a pesada herança destes homens e continuei a trabalhar e explorar pelos meus próprios meios.

Uns anos mais tarde, em 2007, mudei-me para Buenos Aires. Depois do rebuliço da adaptação inicial, comecei a frequentar aulas de pintura com modelo vivo, um grupo de alunos com diferentes experiências e um professor maravilhoso que fazia críticas objectivas e construtivas aos nossos trabalhos. Nas suas aulas, a experiência da arte ia de mãos dadas com o prazer pela arte; foi o primeiro professor que tive que simplesmente assumiu que os que ali estávamos éramos artistas, independentemente das capacidades pictóricas. Este período acabou por vir a ser fulcral no meu percurso, por me permitir contactar com um conceito diferente de “aulas de arte”, e por entender que o prazer ao fazer arte é, esse sim, parte fundamental da experiência artística.

E é aqui que avançamos no tempo até há umas semanas atrás, momento em que tive uma conversa com uma amiga que despertou qualquer coisa em mim: algo nas suas palavras me fez abraçar, sem medo, o bordado como meio de expressão artística. Senti uma onda de energia criativa enquanto falávamos. Regressei a correr para o atelier para começar imediatamente a bordar, para pôr no tecido as imagens que me estavam a surgir na mente. Ao bordar, senti logo essa sensação de fluidez que caracteriza esses momentos de criação; cada ponto, cada imagem parecia fluir através de mim, cabeça, mão, agulha, linha, tecido. Nesse dia, e desde então, tenho ousado tentar enveredar por caminhos desconhecidos para mim e esticar-me para fora daquilo que sei que posso fazer. E por muito que me custe ainda identificar como artista plástica, estou a ganhar a confiança necessária para explorar este caminho mais expressivo e pessoal, através desta técnica que adoro que é o bordado.

Em jeito de conclusão: Lisa Congdon acaba por mencionar no seu discurso na Alt Summit como teve um momento de clareza ao ver um documentário sobre um artista famoso, que, no topo da sua carreira, ainda sentia muita insegurança sobre o seu trabalho. Ela entendeu, nesse momento, que provavelmente nunca vai sentir que chegou a um patamar de segurança. Pessoalmente, parece-me que esta é uma constatação positiva, pois tal como a ela, também a mim me liberta de procurar esse momento longínquo em que vou sentir isto ou aquilo, e focar-me no processo, no que está a acontecer neste momento.

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Learning by doing

#embroidery in progress: a preview of the #airembroideryclub April project. Metallic floss is tricky to use but I'm loving the way it looks.

I’ve been working on April’s project for the air Embroidery Club. This time around, I wanted to go back to the metallic floss I had bought for the December project, the holiday wreath. Back in December, I can’t say that I loved the experience of working with that floss. Actually, I hated it.

This month, though, I wanted to try it again. I started using one of the metallics on a personal project I’m developing (if you follow me on Instagram, you probably saw some pictures), and thought that the April Embroidery Club’s project would be a great way to experiment with it, too.

I was used to working with Cotton Perlé number 8, a really nice embroidery thread that gives a defined look to any embroidery. It’s very much like using a pen (on paper), so it was my obvious choice when transitioning to “drawing” on fabric. It comes in little balls, it doesn’t split, you work with it as is. It comes in many, many colors, so color lovers out there can imagine how happy I am when I enter a haberdashery and see shelves organized by color. My kind of happy place!

The metallics are a very different kind of floss, though. They come in little hanks and once I pulled the end of the floss, it immediately started splitting into six different threads. And because they are made of a man made fiber covering another fiber, they quickly become frayed with use, splitting even more.

So there are many adaptations to make in the way I embroider with metallics, one of them being cutting shorter lengths of floss each time I need to “restock” my needle. I also googled tips and some were useful, some were knot. (sorry, I couldn’t resist!)

This made me think how important the materials are when working, and how different materials condition the way we work. Different materials force us to adapt and use them in a different way. A cotton thread will never be the same as a mettalic floss, so the technique must reflect that difference, too.

This is a process for me, where I still don’t have a lot of answers to share with you. But this researching, this trial and error, this learning by doing make it all the more fun.

If you want to join the fun and learn by doing, sign up for the Embroidery Club today and receive this pattern in your inbox on April 1st. We have a really supportive facebook group where everyone shares knowledge and questions, and strangers become friends. We’re waiting for you!

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This will be my first time using metallic #embroidery floss. Coming soon to the #airembroideryclub.

Tenho estado a trabalhar no projecto de Abril para o nosso Clube de Bordado air. Este mês, quis voltar a trabalhar com os fios metálicos que comprei para o projecto de Dezembro, a coroa de Natal. Em Dezembro, não posso dizer que tenha adorado trabalhar com estes fios metálicos. Pelo contrário: detestei.

Este mês, contudo, quis experimentar outra vez. Retomei a minha relação com os metálicos num projecto pessoal que estou a desenvolver (já partilhei algumas fotos no Instagram), e pensei que o projecto de Abril do Clube de Bordado poderia ser uma boa forma de fazer as pazes com eles.

A verdade é que estava habituada a trabalhar de forma quase exclusiva com os fios Cotton Perlé número 8, um fio que confere uma grande definição ao ponto, um pouco como uma caneta de ponta fina confere definição ao traço no papel. Daí que essa tenha sido a minha primeira escolha quando fiz a transição do desenho no papel para o “desenho” bordado em tecido. Este fio é vendido em pequenos novelos, não se desfia (só ligeiramente na ponta que não vai ser usada), e pode ser usado tal como sai do novelo, sem qualquer preparativo. Vem numa miríade de cores, e acho que podem imaginar a minha alegria quando entro num retroseiro e olho para as estantes com os novelitos organizados por cores. É uma versão do paraíso, para mim! 🙂

Os metálicos são um fio muito diferente. Vêm em pequenas meadas e assim que se puxa pela pontinha do fio, ele começa logo a separar-se em seis fios mais finos. E porque são feitos de uma fibra artificial que cobre outra fibra, desfiam rapidamente quando se está a bordar.

A diferente natureza destes fios obriga-me a fazer adaptações na forma como bordo com os metálicos, sendo uma delas a de cortar porções de fio mais curtas do que cortaria se do Cotton Perlé se tratasse. Para aprender, também usei os recursos desta fantástica internet e pesquisei dicas para bordar com fios metálicos. Algumas foram muito úteis, outras nem por isso. Suponho que cada pessoa tenha a sua forma óptima de trabalhar, ditada pelas suas próprias contingências e gostos.

Todo este processo me tem feito reflectir sobre a importância da escolha dos materiais na forma de trabalhar, e como diferentes materiais condicionam os métodos de trabalho. Os materiais obrigam-nos a adaptar-nos às suas características de forma a usá-los da forma que mais os optimiza. Um fio de algodão mercerizado nunca será igual a um fio metálico, pelo que a técnica de bordado tem forçosamente de ser diferente.

Esta é uma aprendizagem valiosa para mim, que ainda decorre (e sempre decorrerá, imagino eu). Ainda não tenho muitas respostas para partilhar convosco, mas esta pesquisa, este processo de tentativa e erro, esta aprendizagem prática são um caminho que eu considero muito rico e ainda mais divertido.

Se quiser aprender fazendo, inscreva-se no Clube de Bordado hoje mesmo e receba esta receita na sua caixa de correio electrónico no dia 1 de Abril. Temos um grupo muito simpático no facebook onde todos partilhamos dúvidas, aprendizagens e experiências e estranhos se tornam amigos. Estamos à sua espera!

Knitting, or how fast time flies

Scenes from our #knitting workshop yesterday.

Last Saturday we got together here in the studio (with the best view over Lisbon and the river!) for another knitting workshop. I had such a good time that time just flew and suddenly it was time to wrap up.

In Portugal, we knit with the yarn around the neck (or through a pin, pinned to the shirt, like my grandmother used to do) for tension. After casting on, we start to learn how to purl (not knit). This may sound counterintuitive to those of you who knit continental, but purling is so easy to do this way.

Then we progress to knitting, and then we practice ribbing, in an exercise to recognize the two different stitches, alternate between knitting and purling, and correctly moving the yarn between front and back.

Here are a few snapshots of last Saturday! Thank you to Mariana, Sara, Guida and Paula, it was lovely to spend the morning knitting with you.

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No Sábado passado juntámo-nos aqui no atelier (com a melhor vista sobre Lisboa e o Tejo!) para mais um workshop de tricot. Foi uma manhã tão bem passada que o tempo voou, e de repente era hora de almoço e de nos despedirmos.

Depois de refrescar a memória sobre a liga e a meia para quem precisou, saltámos directamente ao tricot em circular, sem passar pela casa da partida nem receber dois contos. Um espectáculo! Começaram-se gorros e golas, e houve também quem continuasse o seu trabalho numa gola lindíssima que já trazia começada.

Eis alguns apontamentos de uma manhã de Sábado muitíssimo bem passada. Obrigada às minhas queridas Mariana, Sara, Guida e Paula pela vossa companhia!

Want to find out when the next knitting workshop takes place? Join our community and get your free illustration. Seja o primeiro a saber as novidades e receba uma ilustração gratuita!

Yesterday we had a #knitting workshop in the studio.

S. finished her first garment, a cowl. #knitting

M. is knitting @yarnharlot 's Pretty Thing.

P. learned to knit and to knit in the round.

My baby's blanket is growing, as is she.

Have I ever shared why I love to teach how to knit?

Progress on color number six. #knitting @purlsoho 's colorblock bias blanket

Did I ever tell you how much I love to teach these knitting workshops? Students arrive in the morning, some of them unsure of their learning ability. When we climb the (many) stairs to the studio, we chat a bit, making our first introductions.

Four hours later, we’re no longer strangers. After learning to knit, after getting those stitches in a row, and then another row; after seeing ribbing, stockinette and garter stitch growing out of the needles, it feels like a small miracle happened. Students become a community by way of achieving something new, together. It’s like an alchemic process, where the total is more than the sum of its parts.

That’s why I love to teach these workshops: because I meet real people, who want to learn to make something with their hands; who want to slow down to entertain themselves. Who, in a small but significant way, want to change the world, stitch by stitch.

I love how this blog, website and newsletter have brought me so many new friends. But in these workshops, I get to meet you, face to face, and share the passion I feel for yarn and knitting. And that is amazing!

If you’re in Lisbon and feel like it’s time to change your world, stitch by stitch, come join us next Saturday. Info and sign ups here.

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Já vos contei o quanto gosto de dar os workshops de tricot? Não? (Talvez milhões de vezes?) Adoro. Porque há algo que acontece durante as quatro horas em que estamos juntos, a aprender uma coisa nova. De manhã, quando chegam, os estudantes vêm um pouco incertos sobre as suas capacidades, será que vão conseguir aprender? Enquanto subimos as (muitas!) escadas para o atelier, somos ainda estranhos uns para os outros.

Depois chegamos ao atelier com a vista mais linda sobre Lisboa e começamos a mexer na lã e nas agulhas, dobamos meadas e aprendemos a liga e a meia, e daí começam a sair carreiras das agulhas, um pouco de elástico, e a “malha” acontece. Com a malha, nasce também uma comunidade, um grupo de pessoas que se juntou num Sábado de manhã e que aprendeu a tricotar. Dá-se como que um processo alquímico em que o total é muito mais que a soma das partes.

É por isso que adoro dar estes workshops. Este blog, site e a newsletter têm sido maravilhosos porque me acercam pessoas que nunca sonhei conhecer; mas nos workshops conheço-vos a vocês, queridos leitores, e posso partilhar a minha paixão pelas fibras, pelas técnicas, pelo processo. E nada bate isso.

Se está em Lisboa e deseja ser parte desta comunidade, esta mesmo, que muda o mundo malha a malha, junte-se a nós no próximo Sábado. Mais informações e inscrições aqui.

 

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Pictured above: the blanket I’m knitting for my baby.

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